제이앤엠뉴스 | 정식 음원이 공개되기 전, 대부분의 청자는 들을 수 없는 목소리가 있다.
가이드 보컬이다.
작곡가가 새로운 곡을 만들면 악보와 반주만 가수에게 전달하는 경우도 있지만, 실제 대중음악 제작 현장에서는 누군가가 먼저 노래를 부른 가이드 음원을 함께 전달하는 경우가 많다.
가수는 이를 들으며 멜로디를 익히고 가사의 흐름과 곡의 구성을 파악한다. 작곡가나 프로듀서가 어떤 느낌으로 노래하기를 원하는지 이해하는 데에도 가이드는 중요한 참고자료가 된다.
그렇다면 좋은 가이드 보컬은 어디까지 완성돼 있어야 할까.
음정과 박자가 정확하면 충분한 것일까. 아니면 실제 발매해도 될 만큼 완벽하게 불러야 할까.
흥미로운 것은 가이드의 완성도가 높아질수록 반드시 최종 결과가 좋아지는 것만은 아니라는 점이다.
가이드 보컬의 가장 기본적인 역할은 작곡가의 의도를 전달하는 것이다.
악보에는 음의 높이와 길이를 기록할 수 있지만 모든 음악적 뉘앙스를 담기는 어렵다.
같은 멜로디도 어느 음절을 강조하는지, 자음을 얼마나 강하게 발음하는지, 음의 끝을 길게 끄는지 짧게 끊는지에 따라 전혀 다른 노래처럼 들릴 수 있다.
리듬 역시 마찬가지다.
박자에 정확히 맞춰 부르는 것과 비트보다 미세하게 뒤에서 노래하는 것은 악보상 같은 음표일 수 있지만 실제 청감에서는 다른 그루브를 만든다.
호흡 위치와 음을 연결하는 방식, 비브라토를 넣는 시점, 한 음에 접근하는 방법까지 더해지면 가이드에는 악보보다 훨씬 많은 정보가 들어간다.
그래서 가이드를 처음 들은 순간부터 가수는 이미 하나의 ‘해석’을 전달받는다.
문제는 바로 여기에서 시작된다.
가이드가 너무 강력하면 가수가 곡을 해석하기도 전에 정답처럼 자리 잡을 수 있다.
사람은 새로운 노래를 반복해서 들으며 익히면 처음 들었던 프레이징과 억양을 자연스럽게 기억한다. 이후 자신만의 방식으로 바꾸려고 해도 이미 머릿속에 자리 잡은 가이드의 흔적에서 완전히 벗어나기 어려울 수 있다.
특히 가이드 보컬의 가창력이 뛰어나고 애드리브와 감정 표현까지 세밀하게 완성돼 있다면 영향은 더 커진다.
실제 녹음 현장에서 “가이드처럼 불러주세요”라는 주문이 등장하는 이유도 이 때문이다.
가이드는 원래 방향을 알려주기 위한 참고자료였지만 어느 순간 최종 보컬이 따라가야 할 기준이 된다.
그러면 묘한 문제가 생긴다.
최종 가수가 노래를 잘못 부른 것이 아닌데도 가이드와 다르면 어색하게 느껴지는 것이다.
프로듀서와 작곡가 역시 곡을 만드는 동안 가이드를 수십 번, 수백 번 반복해서 들었을 가능성이 있다. 그 과정에서 특정한 호흡과 발음, 프레이징이 곡의 일부처럼 익숙해진다.
처음에는 가이드 보컬리스트의 해석이었던 것이 어느새 ‘이 노래는 원래 이렇게 불러야 한다’는 기준으로 바뀌는 셈이다.
반대의 문제도 있다.
가이드가 지나치게 단순하면 작곡가가 머릿속에 그린 곡의 방향을 충분히 전달하지 못할 수 있다.
멜로디와 박자만 정확하게 부르고 감정과 강약, 프레이징에 대한 정보가 거의 없다면 가수는 곡의 의도를 처음부터 다시 추측해야 한다.
물론 해석의 자유는 커진다.
하지만 작곡가가 의도했던 핵심적인 리듬이나 특정한 표현까지 사라진다면 가이드를 만든 목적 자체가 약해질 수 있다.
결국 좋은 가이드는 ‘얼마나 잘 불렀느냐’보다 ‘무엇을 전달해야 하느냐’의 문제에 가깝다.
멜로디와 리듬처럼 반드시 전달돼야 하는 요소는 분명해야 한다. 곡의 전체적인 감정과 다이내믹 역시 어느 정도 보여줄 필요가 있다.
반면 모든 애드리브와 호흡, 발음, 감정 표현까지 하나의 정답으로 고정할 필요가 있는지는 곡과 가수에 따라 달라진다.
특히 최종 가수의 개성이 중요한 음악이라면 더 그렇다.
가이드가 아무리 훌륭해도 그 목소리를 그대로 복제하는 것이 목적은 아니다.
같은 노래라도 어떤 가수가 부르느냐에 따라 가장 자연스러운 음역과 발음, 호흡의 길이와 감정을 표현하는 방식이 다르다. 가이드에서 효과적이었던 표현이 최종 가수에게는 어울리지 않을 수도 있다.
때문에 녹음 과정에서는 가이드를 버리는 판단도 필요하다.
가이드에서 특정 음을 강하게 밀었다고 해서 본가수도 반드시 같은 방식으로 불러야 하는 것은 아니다. 본가수의 음색에서는 오히려 힘을 빼는 것이 더 좋은 결과를 만들 수도 있다.
키 역시 가이드의 조건을 그대로 유지해야 하는 절대적인 기준은 아니다.
가수에게 가장 좋은 음역에서 목소리의 장점이 살아나지 않는다면 곡의 키를 조정하는 것이 최종 결과에는 더 유리할 수 있다.
이 지점에서 프로듀서의 역할이 중요해진다.
가이드에서 반드시 유지해야 하는 것은 무엇이고 무엇을 가수에게 맡길 것인지 구분해야 하기 때문이다.
작곡가의 의도를 지키는 것과 가수의 개성을 살리는 것은 서로 반대되는 목표가 아니다.
좋은 프로듀싱은 그 둘이 만나는 지점을 찾는 과정에 가깝다.
가이드와 전혀 다른 해석이 나왔더라도 그것이 노래를 더 설득력 있게 만든다면 받아들일 수 있어야 한다. 반대로 가수의 새로운 해석이 곡의 핵심적인 리듬이나 감정을 무너뜨린다면 다시 방향을 잡아줄 필요도 있다.
그래서 가이드 보컬리스트에게 필요한 능력 역시 단순한 가창력만은 아니다.
자신이 돋보이게 노래하는 것과 다른 사람이 부를 노래의 방향을 명확하게 보여주는 것은 다른 능력이다.
때로는 자신의 습관을 줄이고 작곡가가 원하는 발음과 리듬을 정확하게 구현해야 하며, 특정 가수를 염두에 둔 곡이라면 그 가수가 실제로 소화할 수 있는 범위까지 고려해야 한다.
가이드 보컬은 완성품의 주인공이 아니지만 완성품에 자신의 흔적을 상당히 많이 남길 수 있는 사람이다.
최종 음원에서는 가이드 보컬의 목소리가 사라진다.
청자는 누가 처음 이 멜로디를 불렀는지, 어떤 프레이징이 가이드에서 시작됐는지 알기 어렵다.
하지만 우리가 듣는 가수의 호흡 하나, 단어를 끊는 방식 하나, 후렴의 애드리브 하나에도 최초의 가이드가 남긴 흔적이 있을 수 있다.
그래서 좋은 가이드의 기준을 단순히 ‘본가수보다 잘 부르는 것’으로 정의하기는 어렵다.
가이드가 지나치게 부족하면 곡의 방향을 보여주지 못하고, 지나치게 강하면 본가수의 해석이 들어갈 공간을 없앨 수 있다.
좋은 가이드 보컬은 완성된 정답을 대신 불러주는 사람이 아니라, 최종 가수가 자신의 답을 찾을 수 있을 만큼 정확한 방향을 보여주는 사람인지도 모른다.
